Gallery Weekend
Donostia · San Sebastián

De ascendencia y vinculación donostiarra, Rafa Satrústegui muestra por primera vez en 22 años su obra en una exposición individual en San Sebastián. La última fue en 2004 en Galería Dieciséis bajo la dirección de Gonzalo Sánchez, fallecido en 2007.

Con su habitual delicadeza y lirismo, el artista regresa a Donostia con una serie de pinturas y papeles en los que trata de expresar con los mínimos recursos y registros la potencia y versatilidad del gesto, explorando la frontera de este con el signo. Para ello, silencia todos los colores excepto el azul de Prusia, pigmento protagonista casi en exclusiva, de esta exposición titulada Sugerencias prusianas.

Satrústegui estudia el gesto como registro expresivo del lenguaje pictórico, en especial su conversión o no en signo. Así, en su obra conviven la aspiración de lo gestual como un fin en sí mismo con su posibilidad narrativa. Los detonantes de sus cuadros son tanto gestos liberados de cualquier función mimética como imágenes, a veces reales, otras imaginadas, que propulsan su obra a un proceso especulativo de elección y sugestión donde el resultado de la batalla entre presentación y representación es siempre impredecible.

Considera por tanto que abstracción y figuración no son paradigmas excluyentes sino distintos estadios y gradientes intermedios como estrategias que vertebran una misma ambición: la voluntad de enriquecer, manipular o dotar de contenido a la realidad. En definitiva, contraviniendo la famosa máxima del arquitecto Louis Sullivan “La forma sigue a la función”, Satrústegui en su universo pictórico apuesta exactamente por lo contrario: “La función (representativa) sigue a la forma”.

Rafa Satrústegui, de origen guipuzcoano, es un pintor cuya obra se caracteriza por una profunda exploración formalista y una constante búsqueda de depuración estilística. Becado por la Diputación de Guipúzcoa en 1983 y licenciado en Bellas Artes en 1984, complementó su formación en los Talleres de Arte Actual del Círculo de Bellas Artes de Madrid con Darío Villalba y en Arteleku, taller de litografía con Don Herbert en 1996.

Desde sus primeras exposiciones, Galería Alga de San Sebastián, 1982; Arteder, 1983, Satrústegui ha mostrado una inclinación hacia la pintura como un fin en sí mismo desvinculada de narrativas o discursos temáticos. Esta perspectiva le permite abordar cualquier motivo que le resulte estimulante transformándolo a través de su lenguaje pictórico.

La obra de Satrústegui ha evolucionado hacia una simplificación y esencialidad, influenciada por la estética oriental y el taoísmo así como por una mirada pop presente a lo largo de su trayectoria. El artista valora la forma sobre el fondo buscando evitar que su pintura caiga en lo meramente ornamental. Su atracción por la brevedad y la esencialidad también se refleja en su interés expresivo.

A lo largo de su trayectoria, Rafa Satrústegui ha participado en numerosas exposiciones colectivas e individuales, así como en ferias internacionales como Arco,Art Cologne, Art Basel y Art Chicago. Su obra forma parte de colecciones en instituciones como el Museo de Bellas Artes de Álava, el Museo de Arte Contemporáneo de Extremadura, Fundación Telefónica y Colección Banco de España, entre otras.

Hace tres años, un hecho cercano me genera un impacto enorme. Cáncer. Decido acercarme a la enfermedad con el firme propósito de acompañar, colaborar, visualizar y normalizar. Para ello desarrollo el proyecto pictórico «Bizi-min-bizi / Cerca cáncer».

He trabajado durante un año y medio en Anatomía Patológica del Hospital Donostia, con la ayuda del Dr. Manuel Moreno Valladares, mirando por el microscopio y dibujando in situ biopsias de diferentes cánceres. Las sesiones de tres horas se prolongaban en estudio con desarrollos en acrílico de medio formato; el siguiente año y medio he trabajado en óleo, formatos mayores e interpretaciones más libres.

Muchos resultados son morados y lilas: la mayoría de las biopsias se tiñen con eosina para visualizar las células, y este tinte tiene ese color. La idea de la necesidad humana de estar conectada a otros, así como las neuronas o las células se necesitan unas a otras para funcionar, es una constante en mi trabajo.

Ruoxi Jin (Harbin, 1997, China) trabaja principalmente con la escultura y la performance, tejiendo narrativas construidas de manera intrincada en las que convergen anécdotas genealógicas y trucos de magia.

Una sensación de fluidez atraviesa la práctica de Jin, resonando no solo con las vidas pasadas de los objetos que combina, sino también con las de la propia artista. La virtuosidad de sus ensamblajes heteróclitos refleja una visión poética abierta a los cruces y las asociaciones. El ensamblaje se convierte no solo en una investigación formal, sino en un medio para fomentar vínculos afectivos y experiencias compartidas.

Ruoxi Jin se graduó en la École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de París en 2024. Entre sus exposiciones individuales recientes se encuentran MA Félicité, Frac Île-de-France, París, 2026; Microclimats en Galerie Mennour, París, 2025; Prix sur demande en Galerie du Crous, París, 2025; REGRETS, DNSAP, Beaux-Arts de París, París, 2024.

La galería Ekain Arte Lanak presenta esculturas y dibujos de pequeño formato de la exposición Naturaleza Armonía Poesía de Mikel Lertxundi.

El artista ha transformado materiales pesados y robustos como la piedra, la madera y el hierro en ligeros y frágiles, vaciándolos de materia y llenándolos de sugerencias y mensajes, hasta convertirlos en objetos preciados, cuasiamuletos.

Una proclamación de los grandes y profundos valores de lo pequeño y una propuesta placentera en todos los sentidos y para todos los sentidos, hasta el punto de provocar una mirada táctil.

Una aportación estética atemporal a la tradición y a siglos de historia. Una invitación a descubrir poesía en la armonía de la naturaleza.

Un acercamiento de la Tierra y su equilibrio inherente al espectador, para ofrecer un respiro y una pausa en estos tiempos de inestabilidad y cambios acelerados.

La pintura de María Castilla se sitúa en una tradición bien reconocible, la del paisaje reinterpretado desde las vanguardias, pero lo hace desde una posición personal que evita tanto la literalidad como la nostalgia. Su trabajo no describe la naturaleza: la reconstruye.

El hilo conductor de su obra es una síntesis entre percepción y estructura. La artista parte del paisaje, los montes de Guipúzcoa y la presencia constante del mar, como experiencia sensorial, pero lo somete a un proceso de depuración formal que remite claramente a lenguajes cubistas. La fragmentación del plano, la superposición de campos cromáticos y la simplificación de volúmenes generan una espacialidad construida, no naturalista. Sin embargo, a diferencia del cubismo analítico, Castilla no disuelve la realidad, sino que la reorganiza en clave emocional.

En este punto emerge la dimensión expresionista de su pintura. El color no actúa como elemento descriptivo, sino como agente estructural y afectivo. Verdes ácidos, azules saturados o gamas quebradas protagonizan y configuran el ritmo interno de la obra, estableciendo tensiones y equilibrios que sustituyen a la perspectiva tradicional. El paisaje deja de ser un lugar para convertirse en un estado.

Es significativo que la geometría no se imponga como un sistema rígido, sino como una herramienta flexible. Las formas, aunque sintetizadas, conservan una vibración orgánica que evita la frialdad constructiva. Hay en su pintura una negociación constante entre orden y fluidez, entre lo aprendido a través de su base teórica vinculada a la historia del arte y lo vivido.

En sus escenas marítimas, la luz se disuelve en planos amplios que recuerdan ciertas soluciones postimpresionistas, mientras que en los paisajes interiores la estructura se vuelve más fragmentada, casi tectónica. En ambos casos, el resultado es una pintura que oscila entre la contemplación y la construcción intelectual.

María Castilla no pinta el paisaje vasco lo traduce a un lenguaje propio donde el color es protagonista absoluto y la forma, un vehículo. Su obra revela una artista consciente de la tradición, pero no subordinada a ella; capaz de integrar referencias históricas en una práctica pictórica coherente, donde la naturaleza es, ante todo, una excusa para pensar la pintura.

Desde 2023, Juan Aizpitarte trabaja en “destello”, un largometraje documental de ficción que aborda el entorno de la cultura chamánica en Perú y que hoy se encuentra en fase de edición.

Storyboard no ilustra esa película, la expande por otros medios. Los dibujos al carboncillo y las esculturas inéditas reunidos aquí funcionan como archivo de lo fantástico, ese lugar donde un recuerdo difuso encuentra forma matérica antes de fijarse en imagen fotográfica.

Los dibujos despliegan un mundo onírico hecho de minerales, cuerpos animales y motivos vegetales. Las esculturas, próximas a lo teriomorfo, ofrecen volúmenes a medio camino entre la criatura y la materia bruta, formas posibles que buscan existir en lugares probables.

Entre ambas disciplinas circula una misma intuición, mantener vivo aquello que la memoria amenaza con disolver, sin forzar su traducción.

La relación con el chamanismo no se da por sentada. Juan Aizpitarte no documenta un rito ni se apropia de un imaginario. Observa, desde hace años, los gestos, ceremonias y cultos que confluyen en ese ámbito, y deja que esa observación decante por igual en el dibujo, en la escultura y en el montaje de la película.

Trabajar con la memoria es aceptar la realidad subjetiva como principio de objetividad, y confiar en los procesos entre vigilia y sueño.

Storyboard es un título literal. Cada obra es un plano posible, una idea audiovisual liberada en el espacio de la galería, donde objetos e imágenes permiten múltiples relatos sin imponer ninguno en concreto.

Lo que se muestra no es el resultado de una película, sino su pensamiento paralelo, ese placer de la creación que precede al proyecto y lo excede. Un abono fértil para lo que aún está por venir.